12 принципов анимации

Впервые эти принципы анимации описали аниматоры Олли Джонстон и Фрэнк Томас в 1982 году в книге "Иллюзия жизни: анимация Disney". Авторы смогли выделить 12 основных принципов анимации, кропотливо изучив процесс работы ведущих аниматоров Disney начиная с 1930-х годов.

Благодаря этому принципу анимируемые объекты выглядят так, будто они обладают весом и гибкостью и на них действует сила тяжести. Представьте, как ведет себя резиновый мячик, подброшенный в воздух: подлетая и устремляясь вниз, он слегка растягивается, а при ударе о землю сжимается.

Рисуя сжатие и растяжение, важно не менять общий объем объекта. Если он растягивается, то должен выглядеть тоньше, а если сжимается – то слегка раздуться.

Упреждение помогает подготовить зрителя к предстоящим событиям. В целом действие можно разбить на три части – подготовка, основное действие и его продолжение.

Невозможно подпрыгнуть, перед этим не согнув слегка коленей, а камень не бросишь, перед этим не отведя руку назад. Точно так же действие будет казаться неловким и безжизненным, если не предвосхитить его с помощью упреждения.

В этот принцип входит много составляющих - от выбора ракурса до расположения объектов в кадре и определения места действия.

В целом роль сценичности в анимации во многом схожа с тем, как в живописи и рисунке используется композиция.

Мы должны управлять тем, куда смотрит зритель. Происходящее на экране должно вести его взгляд к тому, что в сцене важно. Сфокусируйте внимание на основном действии, а все остальные движения сведите к минимуму.

Существует два способа рисования анимации: прямая фазовка и компоновка. В первом случае аниматор рисует движение кадр за кадром, последовательно и по порядку.

Такой способ идеально подходит для анимации взрывов, пламени и всплесков – короче говоря, эффектов с менее предсказуемой динамикой.

Работая с компоновкой, аниматор сперва рисует начальный, конечный и промежуточный ключевой кадр (ключевую позу), а затем заполняет интервалы дополнительными кадрами.

Компоновка позволяет аниматору лучше контролировать траекторию движения и точность габаритов объекта.

Все это – примеры захлёста действия.


Сквозное движение, или доводку, мы увидим, если персонаж остановится: его волосы и одежда, перед тем как перейти в состояние покоя, будут пару кадров продолжать движение.

Этот принцип проще всего понять на примере того, как разгоняется и тормозит автомобиль. Движение начинается медленно, далее набирает обороты и ускоряется. При торможении все происходит наоборот. Аниматоры имитируют этот эффект, добавляя больше кадров в начале и конце определенного действия.

Большинство объектов движется по изогнутой траектории. При ходьбе наши руки раскачиваются по дуге. Если вы подбросите мяч в воздух, из-за силы притяжения он также опишет дугообразную траекторию.

Даже такие мелкие движения, как поворот головы, происходят по дуге. Чем быстрее действие, тем более пологой, прямой будет дуга, и наоборот.

Вторичное действие дополняет основное. Его цель - подчеркнуть характер или эмоции персонажа. Представим героя, который совершает основное действие - стучится в дверь. Его мимика и жесты – вторичное действие - будут говорить о многом: рассерженная мина и сжатый кулак либо улыбка и спокойная поза дадут зрителю сведения о его намерениях и чувствах.

Работая с второстепенным действием, стоит думать о прилагательном или наречии, которое дополняет глагол – основное действие. Например, работая над сценой "Джимми идет счастливый" или "Джимми идет грустный", подумайте над тем, какими действиями передать эти прилагательные. Так или иначе, но вторичное действие не должно отвлекать от основного и мешать его воспринимать.

Правильный хронометраж - один из важнейших технических факторов в анимации. Количество кадров отражает скорость движения – чем меньше кадров, тем быстрее оно будет выглядеть. Вследствие этого количество кадров также влияет на эмоциональность действия.

В крупнобюджетных фильмах каждая секунда анимации состоит из 24 кадров. В телесериалах количество кадров сократится до 12 или даже 8 кадров. В этих случаях для экономии времени и сил кадры снимаются несколько раз. Порой меньшее количество кадров хорошо сказывается не только на скорости работы, но и смотрится лучше. Тщательно отрисованное медленное движение в 24 кадра может выглядеть неровным из-за мелких ошибок в линиях. При хронометраже в 12 кадров эти ошибки мы просто не заметим.

Слепое следование реализму делает анимацию статичной и скучной. Вместо этого следует утрировать персонажи и объекты, подчеркивать идею движения, тем самым, как ни странно, делая происходящее на экране более правдоподобным. Дойдите до предела – всегда можно откатиться до более умеренного варианта

Без знания основ не обойтись. Хороший аниматор умеет рисовать в объеме, понимает язык форм, владеет базовой анатомией и знает законы светотени.

Ну а если вы нарушаете правила, важно сохранять последовательность. Коль скоро в вашем мире есть кривые здания и искаженная перспектива, оставайтесь верны этим законам.

Персонажи, предметы и мир, в котором они живут, должны быть визуально привлекательны для зрителя. В них должно быть что-то, что притягивает взгляд. Применяйте язык форм, играйте с пропорциями, не забывайте про базовые законы рисования, а самое главное – отразите в дизайне персонажа его характер.
Привлекательный персонаж не обязательно должен быть красивым. Примером может служить Олаф из фильма Frozen: нас привлекает его добрый нрав и преданность.


Формулы, которая позволила бы добиться нужного результата, не существует. Придумайте правдоподобных персонажей и поймите, как рассказать свою историю с помощью средств анимации.